Hyangro yoon 윤향로

b. 1986

Hyangro Yoon explores the possibilities of abstract painting based on contemporary images. Under the concept of ‘Pseudo Painting,’ her main work employs the algorithms of image editing programs to reference elements from various fields such as popular culture and the history of painting, thereby creating a unique body of work that transforms these elements into paintings.

동시대 이미지를 바탕으로 추상 회화의 가능성을 모색하는 예술가로서, ‘유사 회화(Pseudo Painting)’라는 개념 아래 작업을 진행하고 있다. 그의 주요 작업은 이미지 편집 프로그램의 알고리즘을 활용하여 대중문화와 회화의 역사 등 다양한 분야에서 참조한 요소들을 다루며, 이를 회화로 변주하는 독특한 작품 세계를 구축한다.

Jeong-ui Yun 윤정의

b. 1994

Based on the act of sculpture, which involves cutting, gluing, and chipping away at materials, He is experimenting with rethinking the process and structure of sculpture. He views the act of sculpture as a process of simulating the form of a large sculpture through drawings and small maquettes, rather than simply accumulating masses, and also as a process of reconsidering the internal structure of the sculpture, the hierarchy of masses and surfaces, and revealing the traces created in the gaps of such sculptures. Rather than creating a single direction, the artist explores the act of sculpture and the form of sculpture derived from it, which is directed in multiple directions to perceive the space-time of reality in different ways.

물질을 자르고 붙이고 깎아나가는 조소 행위를 바탕으로 조각의 제작 과정과 구조를 재고하는 실험을 진행하고 있다. 조소 행위를 단순히 덩어리를 쌓아나가는 것이 아닌 드로잉과 작은 마케트를 거쳐 커다란 조각의 형태를 시뮬레이션해나가는 과정이자, 조각의 내부 구조와 덩어리, 표면의 위상을 재고하는 것이기도 하며, 그러한 조형의 간극에서 만들어지는 흔적을 조각에 드러내는 것으로 바라본다. 단일한 방향의 만들기가 아닌 현실의 시공간을 여러 방식으로 지각할 수 있는 다방향으로 향하는 조소 행위와 그로부터 도출되는 조각의 형태를 모색한다.

Jack kabangu

b. 1996

Congolese artist Jack Kabangu’s work combines his African heritage with contemporary art to create world-class pieces featuring vibrant colors and dynamic lines. Instead of traditional brushes, Kabangu uses his fingers, spatulas, and scrapers to create his artwork, and it’s these unique and improvisational methods that give his work its natural texture and organic feel. The artist’s work is based on the graffiti art movement of 1980s New York, but he also draws inspiration from his own experiences and environment, including contemporary hip-hop, rap music, movies, and urban life, and is considered to express the sensibility and spirit of the millennial generation.

콩고 출신의 예술가 Jack Kabangu의 작품은 아프리카 유산과 현대미술의 결합을 통해 생동감 있는 색채와 역동적인 선을 특징으로 세계적인 수준의 작품을 선보이고 있다. Kabangu는 전통적인 붓 대신 손가락, 스패튤라, 스크래퍼 등을 이용하여 작품을 제작하는데, 이러한 독특하고 즉흥적인 표현법들이 그의 작품의 자연스러운 질감과 유기적인 느낌을 부여하고 있다. 작가는 1980년대 뉴욕의 그래피티 아트 운동을 기반으로 하고 있지만 동시대의 힙합, 랩 음악, 영화 및 도시 생활 등 자신의 경험과 환경에서 받은 영감을 작품에 고스란히 반영하여, 밀레니얼 세대의 감각과 정신을 표현하고 있다 평가 받고 있다.

The traces

The booth is organized around the theme of ‘The traces’.

Each participating artist incorporates their own traces into their works in different ways, for example, Jack Kabangu uses fingers, spatulas, and scrapers rather than traditional brushes to make unique and improvised marks, while Jeong-ui Yun inscribes the marks of time that are inevitably left behind during the production process. Hyangro Yoon leaves traces of original visualization through a multifaceted examination of the act of ‘tagging’.

(*Tagging is a feature found in the first generation of graffiti and is like a signature of the creator. In another sense, it refers to the act of importing locations, places, people, etc. from social media and superimposing them on one’s own territory.)

This was THEO’s first participation in KIAF, and it was motivated by the desire to take its first steps and leave a meaningful mark on the largest event in the Korean art scene.

부스는 ‘The traces’, 즉, 흔적을 주제로 기획/진행된다.

각 참여 작가는 다양한 방식으로 그들만의 흔적을 작품에 녹여내는데, 이를테면, Jack Kabangu는 전통적인 붓이 아닌 손가락, 스패튤라, 스크래퍼 등을 이용하여 독특하고 즉흥적인 흔적을 남기며, 윤정의의 경우, 제작 과정에서 필연적으로 남겨지는 시간의 흔적을 작품에 새긴다. 윤향로는 ‘Tagging’이라는 행위에 대한 다면적 고찰을 통해 독창적인 시각화의 흔적을 남긴다.

(*Tagging은 1세대 그래피티에서 찾을 수 있는 특징으로, 창작자의 서명과도 같다. 동시에 또 다른 의미로 소셜 미디어에서 위치와 장소, 사람 등을 불러와 자신의 영역에 중첩시키는 행위를 가리킨다)

이번 행사는 THEO의 첫 KIAF 참가로, 국내 미술계의 최대 행사에 첫 발자취이자 의미 있는 흔적을 남기고자 하는 염원에서 비롯되었다.

THEO is founded in Seoul, South Korea in 2020. The priority mission of THEO is to establish a sustainable art cycle rooted in diversity. THEO was established by two directors who have built their careers in the art markets of the UK and the US, bringing their international expertise and networks to the Korean art scene.

The primary objective of THEO is to showcase the wide-ranging spectrum of Korean art and its richness. The gallery is dedicated to supporting young and gifted Korean artists, regardless of artistic genres, and identifying the commercial potential in their work. By providing a platform for these artists, the gallery aims to foster their growth and development within the rapidly evolving art ecosystem.

In addition to promoting local artists, THEO actively seeks to encourage diversity and bridge cultural boundaries. The gallery accomplishes this by establishing strong relationships with relevant institutions and collaborations with galleries both locally and internationally. By engaged in collaborations with artists and directors from various backgrounds, THEO strives to introduce international artists to Korean and Asian audiences, thereby promoting cross-cultural exchange and expanding the artistic discourse.

Through challenging projects and a commitment to artists excellence, THEO envisions a gallery space that can co-exist and thrive alongside art creators, adapting to the dynamic art landscape.

THEO (띠오)는 2020년 대한민국 서울에 설립되었습니다. THEO는 다양성에 기반한 지속 가능한 예술 사이클을 구축하는 것을 최우선으로 하고 있으며, 영국과 미국 미술 시장에서 경력을 쌓아온 두 명의 디렉터가 국제적인 전문성과 네트워크를 한국 미술계에 도입하기 위해 설립했습니다.

THEO의 주요 목표는 한국 미술의 폭넓은 스펙트럼과 그 다양성을 소개하는 것입니다. 예술 장르에 관계없이 젊고 재능 있는 한국 예술가들을 지원하고 그들의 작품에서 잠재력을 찾아내는 데 전념하고 있으며, 그들에게 플랫폼을 제공함으로써 빠르게 진화하는 예술 생태계 내에서 그들의 성장과 발전을 촉진하는 것을 목표로 합니다.

THEO는 지역 예술가들을 홍보하는 것 외에도 문화적 경계를 허물기 위해 적극적으로 노력합니다. 이를 위해 관련 기관과 긴밀한 관계를 구축하고 국내외 갤러리와의 협업을 통해 이를 실현하고 있습니다. 다양한 배경을 가진 작가 및 디렉터와의 협업을 통해 THEO는 해외 작가들을 한국 및 아시아 관객에게 소개함으로써 문화 간 교류를 촉진하고 예술적 담론을 확장하기 위해 노력합니다.

THEO는 도전적인 프로젝트와 예술가들의 우수성에 대한 헌신을 바탕으로 역동적인 예술 환경에 적응하며 예술가들과 함께 공존하고 번영할 수 있는 갤러리 공간을 추구합니다.