Seungkeun Jang 장승근 (b. 1995) @jangkamzza
CV
He explores the ways in which events and objects with fragile qualities are transformed into paintings that project his view of the world. The paintings, created by transferring the shapes of intuitive and impulsive trajectories to the canvas, coloring them, and superimposing sketch lines that go back in time, reflect the site of the artist’s body’s vital encounter with and understanding of the world. The shapes formed by the jagged, impulsive trajectories are glazed and clumsy, but there is a recollected sincerity behind their appearance.
유약한 형질을 띄었던 사건들과 대상들에 세계를 바라보는 시각을 투영한 회화로 변환하는 방식을 탐구한다. 직관적이고도 충동적인 궤적의 형상을 캔버스에 옮기고, 채색하고, 과거의 시간으로 돌아가 스케치 선을 중첩하는 행위로 그려진 회화에는 작가의 신체가 세계와 생동적으로 마주치고 이해하는 현장이 투영된다. 들쭉날쭉하고 충동적인 궤적들로 빚어진 형상들은 유약하고 어설프지만, 그 모습 뒤엔 상기된 진심이 있다.
A man with a flower 꽃 꽂은 남자
2023
Oil on canvas
53 × 45.5cm
1,000,000KRW
Disgusting male mosquito 역겨운 수컷모기
2023
Oil on canvas
53 × 45.5cm
1,000,000KRW
Stretching lines 01 뻗는 선 01
2023
Oil on canvas
53 × 33.4cm
1,000,000KRW
Drawing tools 그림도구
2023
Oil on canvas
53 × 45.5cm
1,000,000KRW
Argos 육안
2024
Oil on canvas
53 × 45.5cm
1,000,000KRW
Piano and foot 피아노와 발
2024
Oil on canvas
53 × 45.5cm
1,000,000KRW
Smoker 담배피는 사람
2024
Oil on canvas
33.4 × 24.2cm
400,000KRW
Studio 작업실
2023
Oil on canvas
130.3 × 97cm
4,800,000KRW
Vertically laid canvas 세로로 놓은 캔버스
2023
Oil on canvas
130.3 × 97cm
4,800,000KRW
The artist creates drawings on the fly, collecting and reinterpreting ideas from objects. He has seen closely or encountered by chance. He perceives the paper or canvas, the support for recording the trajectory, only in his peripheral vision and draws according to the impulsive rhythm of his hand, or he chooses visual isolation, not looking at the support at all. Relying on guesswork and sensation to capture shapes, the recorded objects become the sketches for the paintings, with their fuzzy shapes. Freed from the desire to reproduce the surface of the object, this act aims to truthfully record the indeterminacy and ambiguity of the body’s impulsiveness. The lines thus drawn help me to focus on the abstract fragments of the events encountered and the elements of the painting.
The brushstrokes that apply oil pigment to the drawing’s shapes move and lay out the color plane based on the direction of the drawing strokes, such as where they are applied with pressure and the rhythm of the line. In this process, the drawing outline inevitably becomes embedded in the pigment of the oil painting, which is then scratched out again with a pencil or re-emphasized with a darker brush, preserving the past trajectory as a final image. The forms maintained by the dense outlines create the appearance of a solid exoskeleton that blocks intervention from the outside, but the gaps between lines and lines become a fragile exoskeleton that allows for contact with the outside. In Jang’s paintings, the viewer’s gaze is actively invited to penetrate through the gaps in the outline, just as bacteria penetrates through the gaps in an exoskeleton, creating a field of interaction with the artist’s paintings. This phenomenon is not only the artist’s way of being in a world with complex causal relationships, but also the embodiment of the artist’s attitude toward such a world.
밀접하게 보았던, 혹은 우연히 마주한 대상들의 착상들로부터 면밀한 재해석을 거쳐 즉각적으로 채집하고 드로잉을 한다. 이때 궤적의 기록을 위한 지지체인 종이나 캔버스를 주변 시야로만 감지하고 순간적인 손의 충동적 리듬에 따라 드로잉을 하거나 아예 지지체를 바라보지 않는 시각의 고립을 선택하기도 한다. 가늠과 감각에 의존하여 형상을 포착하려는 것인데, 이렇게 기록된 대상들은 얼기설기한 형상을 띈 채로 회화의 밑그림이 된다. 이러한 행위는 대상의 표피를 재현하고자 하는 욕구로부터 해방되어 신체의 충동성이 지닌 불확정성과 모호함의 궤적을 진솔히 기록하는 것에 목적한다. 그렇게 그어진 선은 마주한 사건에 대한 추상적인 단상과 회화 요소에 집중할 수 있게 도와준다.
드로잉의 형상에 유화의 안료를 얹는 붓질은 어느 지점부터 어느 지점까지 힘이 눌린 채로 움직였는지, 선의 리듬은 어떠한지와 같은 드로잉 획의 방향을 근거로 움직이며 색면을 배치한다. 이 과정에서 드로잉 윤곽선은 필연적으로 유화의 안료에 매몰되게 되는데, 연필로 다시 긁어내거나, 짙은 색의 붓으로 다시 재강조하며 과거의 궤적을 최후의 화면으로 보존한다. 짙은 윤곽선으로 인해 유지되는 형태는 외부로부터 개입을 차단하는 견고한 외골격의 형상을 빚어내지만, 선과 선 사이의 유격들은 오히려 외부와의 맞닿음을 허용하는 유약한 외골격이 된다. 장승근의 회화에서는 외골격에 상처가 난 틈 사이로 세균이 침투하듯, 얼기설기한 윤곽선의 유격들 사이로 관람자의 시선이 능동적으로 침투하여 작가의 회화와 맞닿는 상호작용의 장이 형성되기를 유도한다. 그러한 현상은 인과관계가 복잡한 세계에서 작가가 존재하는 방식이기도 하면서, 도리어 작가가 그런 세계를 바라보는 태도의 현신이다.
Hyangtosaek 향토색
1. In the field of art, ‘Hyangtosaek’ refers to the unique emotions and characteristics of the landscape and scenery of a rural or local village, which is a counterpoint to the urban atmosphere. In the Korean language, the word ‘Hyangto’ contains a variety of nuances and moods, but in the realm of art, it can only be interpreted as ‘local color’. At the same time, and ironically, ‘鄕土’ is not a pre-modern vernacular word, but rather a Japanese translation of the German word ‘Himartkunst’, which became very popular in literary circles during the Japanese occupation. (The word ‘misul’ also had no Japanese equivalent for ‘Kunstgewerbe’, which translates to ‘craft’, so a new word was hastily coined for it: ‘美術’, which connects ‘beauty’, meaning beauty, and ‘術’, meaning skill or method.)
2. ‘Earth tone’ is a term that refers to color tones found in nature. It primarily refers to colors inspired by the natural elements of the earth, such as earth, rocks, wood, and sand. These colors typically include browns, beiges, olive greens, and dark ochres. On the other hand, ‘Hyangtosaek’ refers to colors that are indigenous to a particular region or culture. These are colors that are influenced by the local landscape, culture, traditional clothing, etc. Hyangtosaek reflects the history and culture of an area and is often seen as representative of the identity of the region. Earth tones and Hyangtosaek are therefore closely related. Colors inspired by the earth’s industries, nature, and people’s lives can reflect the local character of a region. For example, a Dead Sea-inspired Hyangtosaek palette might reflect the color of the soil, the tones of the sand and sea on the shore, or the history and culture of the region.
3. We hope to capture new nuances of ‘Hyangtosaek’ through the works of contemporary young artists from various regions in Korea, utilizing various media, whose works directly or indirectly reveal earth tones. Seoul has been gaining attention as an international art hub, thanks to the arrival of international galleries and the growth of the Korean art market. Through ART OnO, which aims to present a new paradigm of the art market with galleries from over 20 countries, which is unusual for a domestic art fair, THEO aims to present an exploration and experience of Korea and Korean art, extending past the commercial market.
Curated by Chanyong Chong (THEO Assistant Director)
1. ‘향토색’은 도시적 정서와 대칭을 이루는 시골, 혹은 향촌의 경관과 풍물에 담긴 고유의 정서나 특색을 일컬으며, 미술 분야에서 향토색은 ‘지방색(地方色, local color)’을 나타냅니다. 한글 단어에서는 ‘향토적’이라 일컬어지는 다양한 뉘앙스와 분위기가 담겨있지만, 이를 영역할 경우 ‘Local color’라는 다소 단편적인 해석만이 가능합니다. 동시에 모순되게도, ‘향토(鄕土)’란 근대 이전에 존재했던 고유어가 아니라 독일어 ‘Himartkunst’를 일본에서 번역한 용어이기도 하며, 일제 강점기의 문예계 전반에 크게 유행하였습니다. (‘미술’이라는 단어 역시 ‘공예’라고 번역한 ‘Kunstgewerbe’에 해당하는 일본어가 없었기 때문에 급조된 이에 해당하는 새로운 단어를 만들어냈는데, 아름다움의 ‘미(美)’와 기술이나 수단, 방법을 뜻하는 ‘술(術)’을 이어 붙인 ‘미술(美術)’입니다.)
2. ’Earth tone’은 자연에서 발견되는 색조를 나타내는 용어입니다. 주로 대지, 바위, 나무, 모래 등 지구의 자연적인 요소들에서 영감을 받은 색상들을 가리킵니다. 이러한 색상들은 일반적으로 갈색, 베이지, 올리브그린, 짙은 황토색 등을 포함합니다. 한편, ‘향토색’은 특정 지역이나 문화의 토착적인 색채를 나타냅니다. 이는 지역적인 풍경, 문화, 전통적인 의상 등에 영향을 받은 색상들을 말합니다. 향토색은 그 지역의 역사와 문화를 반영하며 종종 그 지역의 정체성을 대표하는 요소로 여겨집니다. 따라서 Earth tone과 향토색은 서로 밀접한 관련이 있습니다. 지구 산업, 자연, 그리고 사람들의 삶에서 영감을 받은 색상들은 그 지역의 향토적인 특성을 반영할 수 있습니다. 예를 들어, 사해에서 영감을 받은 향토색 팔레트는 토양의 색상, 해안의 모래와 바다의 색조, 혹은 그 지역의 역사와 문화적인 특성을 반영할 수 있습니다.
3. 단색화의 영역이 ‘Dansaekhwa’로 공식 표기되면서 다양한 해석이 가능해진 것을 모방하여, ‘Hyangtosaek’으로 명명하고자 하는 본 기획은, 작품에서 Earth tone 이 직간접적으로 드러나는 다양한 지역 출신, 다양한 매체를 활용하는 동시대 청년 작가들의 작품을 통해 Hyangtosaek에 대한 새로운 뉘앙스를 포착하고자 합니다. 서울은 세계적인 갤러리들의 국내 진출과 한국 미술시장의 성장에 힘입어 국제적인 아트 허브로 주목받고 있습니다. 국내 아트 페어로는 이례적으로 20여 개국에 달하는 세계 각지의 갤러리들과 함께 미술시장의 새로운 패러다임을 제시하고자 하는 ART OnO를 통해 단순히 상업적 목적이 아닌 한국성과 한국미술에 대한 탐구와 경험을 제시하고자 합니다.
기획: 정찬용 (THEO Assistant Director)